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Fotografía : http://www.filmaffinity.com/es/film594480.html

Ficha técnica

Título original: La vita è bella.

Año: 1997.

País: Italia

Duración: 117 minutos.

Director: Roberto Benigni.

Guión: Roberto Benigni y Vicenzo Cerami.

Música: Nicola Piovani.

Fotografía: Tonino Delli Colli.

Género: Comedia dramática. Nazismo.

Reparto: Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Giorgio Cantarini, Marisa Paredes, Giustino Durano, Horst Buchholz…

Sinopsis

Unos años antes de que comience la Segunda Guerra Mundial, un joven llamado Guido llega a una ciudad de la Toscana con la intención de abrir una librería. Allí se enamora de Dora, prometida del fascista Ferruccio.  A pesar de esto Guido consigue conquistarla y poco después se casan y tienen un hijo.  Al estallar la guerra, los tres son internados en un campo de exterminio, donde Guido hará lo imposible para hacer creer a su hijo que la terrible situación que están padeciendo es tan sólo un juego.

Crítica

Para los que han visto esta película poco puedo decir, ella sola lo dice todo. Y para los que no la hayan visto todavía solo una cosa : Dejad lo que estéis haciendo, poneos cómodos y disfrutad de esta obra de arte.

Puedo afirmar con rotundidad que es una de las mejores películas de todos los tiempos. No me considero ninguna experta en cine y por ello no suelo juzgar las películas como si lo fuera, pero en este caso no me importa mojarme, pongo la mano en el fuego por esta maravila que es La vida es bella.

Roberto Benigni es el alma de este filme , lo que es normal teniendo en cuenta que es el director, guionista y actor protagonista. Consigue que nos creamos la historia, nos cuenta el terror en forma de fábula y consigue llegar mucho más hondo que muchos otros que muestran imágenes desagradables para dar credibilidad a su historia.  Ternura , diversión y tragedia se entremezclan  de forma perfecta dando lugar a esta entrañable y conmovedora película.

(A partir de aquí la crítica puede contener detalles del argumento)

He visto muchas películas sobre el nazismo y algunas muestran escenas que son realmente muy duras . La que más me ha impactado, sin embargo,  es La vida es bella precisamente por la ausencia de esa violencia explícita. Cuando vi la película por primera vez pensé, al ponerla , que me había equivocado. Yo estaba preparada para cinco minutos de felicidad comprimida y luego una serie de escenas ,cada cual más fuerte, que mostrarían la realidad de lo que fue el holocausto, pero en lugar de eso estaba viendo una película en la que todo era de color rosa. Y cuando yo ya estaba envuelta en ese mundo estupendo , cuando ya estaba enamorada de Guido ,del niño y de su famoso : “Buongiorno principessa”… los nazis me lo arrebatan todo,sin avisar, repentinamente… y yo,yo me subí con ellos en ese tren.

El hecho de que Roberto Benigni hiciera hincapié en lo feliz que era esa familia, en lo bien que se vivía y en lo poco que se esperaban lo ocurrido, es lo que más me hizo reflexionar,lo que más me ayudó a ponerme en el lugar de esa pobre gente  y, sobretodo, lo que más me hizo valorar la vida que tengo.

No es que la recomiende, es que os ruego que la veáis. Os estaréis haciendo un favor a vosotros mismos. Prometido.

Fuente:

http://www.filmaffinity.com/es/film594480.html

Para más información:

http://www.imdb.es/find?q=la+vida+es+bella&s=all

http://www.oscars.org

Por: Leticia Guedella Vázquez.

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Un clásico del cine y con razón. Cuenta una historia maravillosa, una mujer que siempre ha huido de los compromisos y que desea escalar hasta lo más alto de la cumbre social, intentando casarse con millonarios, hasta que encuentra a alguien que le hace ver más allá de esos deseos. Una película para no perderse.

    En Tiffanys

Algo más de 4 décadas y media después, es una de las películas más vistas, más aclamadas y sin duda más conocidas.

La música, de Mancini, se apoya en una partitura que enriquece la jovialidad del humor, la desesperación de los personajes y el ambiente festivo de los partys. Incluye la canción “Moon River”, cantada por coros, Hepburn y silbada por Peppard. La fotografía es de Franz Palmer, en su última intervención en cine. La cámara se mueve en descripciones generales, fijación de detalles y primeros planos de Hepburn. Predominan los fondos de colores suaves, sobre los que resaltan masas oscuras, cálidas o frías intensas. El vestuario de Hepburn (Givenchy) y de Neal (Pauline Trigere), supervisado por la mítica Edith Head, es magnífico. El guión de G. Axelrod, es rico en sutilezas, lances cómicos e invitaciones a la reflexión. La interpretación de Hepburn es magistral en el papel más complejo de su carrera. La dirección se crece con el apoyo de Hepburn.

Película deliciosa, rica en amigüedades, sutilezas y buen humor. Imprescindible.


Amor entre los dos protagonistas

Audrey, como protagonista es exquisitamente inestable, una excéntrica desequilibrada emocional que arrastra un tremendo pasado que marca su turbio presente y su caótico futuro. Hace de lo más sencillo , algo absurdo, y de lo complicado, algo tremendamente sencillo. Vive siempre obsesionada con casarse con un hombre rico que le proporcione todo el dinero que necesite y una posición social alta, pero todos estos deseos se verán truncados en ese final apoteótico.

Desayuno con diamantes

Lo mejor de la película es sin duda la química entre Audrey y George Peppard. El film muestra un Nueva York, esponja y espejo de lo cultural y vanguardista de los 60, ¿Quién se lo quiere perder?

FUENTES:

http://es.wikipedia.org/wiki/Breakfast_at_Tiffany’s

http://cine.mysofa.es/pelicula/desayuno_con_diamantes/criticas

http://cinetrivia.com/criticas.php?idc=61

 

Por Silvia Martín Pascual

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                                                 Fotografía:  http://www.filmaffinity.com/es/film371621.html

Ficha técnica

Título original: One flew over the Cukoo’s nest

Año: 1975

Duración: 133 minutos

País: Estados Unidos

Director: Milos Forman

Guión: Bo Goldman & Lawrence Hauben (Novela: Ken Kesey)

Música: Jack Nitzsche

Fotografía: Haskell Wexler

Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Redfield, Will Sampson, Brad Dourif, Christopher Lloyd, Danny DeVito, Scatman Crothers.

Género: drama

Sinopsis:

Randle McMurphy es un violador que tras ser condenado a una granja de trabajo se hace pasar por loco para que lo ingresen en un hospital psiquiátrico.  Una vez allí, este libertino y alegre personaje choca con la controladora e inflexible enfermera Ratched. Comienza así una guerra entre los pacientes, liderados por McMurphy y el personal del hospital.

Crítica:

Me la habían recomendado muchas veces. El título me atraía . Y era de las pocas películas que habiendo oído hablar tanto de ella seguía sin saber cual era su argumento.  La vi. Hacía mucho tiempo que una película no me conmovía tanto. Lo tiene todo: risas y llantos asegurados, personajes entrañables, un buen guión, interpretaciones magistrales…

(a partir de aquí aparecerán detalles de la película, se recomienda no seguir leyendo si no se ha visto)

Me cuesta mucho hacer una crítica de una película que me ha gustado tanto   así que comentaré las escenas que más me han llamado la atención:

La escena del partido imaginario de béisbol:  después de que la enfermera Ratched se negara reiteradamente a permitirles ver el partido a los internos, McMurphy se ponde delante del televisor y comienza a narrar un partido que nadie puede ver. Los enfermos se contagian del espíritu de Randle y se unen inmediatamente a él.  Me encanta como en esta escena el personaje principal se enfrenta  a la adversidad con buen humor y reacciona ante la represión de la enfermera de la mejor forma posible. De alguna forma McMurphy consigue salirse con la suya en esta batalla en la que es claro vencedor. Cabe destacar también el rostro de frustración y enfado que nos muestran en un magnífico primer plano de la enfermera.

La escena de la pesca: McMurphy consigue hacerse con el control del autocar del centro y se lleva a todos sus compañeros de pesca. Durante un rato memorable consigue hacerles olvidar que están enfermos, que la gente los considera “locos” y peligrosos y les muestra que ellos también pueden divertirse con actividades lúdicas.

-El partido de baloncesto: Una vez más McMurphy consigue lo imposible. Con energía y buen humor hace que sus compañeros por fin se muevan y les enseña a jugar al baloncesto. Incluso lo consigue con “Jefe”, un amerindio que es sordomudo. Crean un equipo y juegan contra los enfermeros.

– El suicidio de Billy: Desgarradora.Una de las escenas más duras de la película. Billy se ha acostado con una mujer, la enfermera Ratched se entera y le amenaza con contárselo a su madre. A Billy,  que ha sido reprimido durante toda su vida, esta amenaza le produce tal pánico que reacciona quitándose la vida.

– La escena final: La escena final de la película es en si una metáfora. A McMurphy le han practicado una lobotomía y está en un estado semi-vegetativo. Cuando lo devuelven a su pabellón y lo meten en la cama, “Jefe” acude a él y se da cuenta de que McMurphy no volverá a ser el que era. Esto hace que se produzca un cambio en él, que hasta ahora estaba esperando a que Randle decidiera cuando se escaparían juntos. Entre lágrimas y lamentos toma una determinación. Decide asfixiar a McMurphy para así “liberar” su espírutu y poder llevárselo con él.  “Jefe”, con una renovada energía , coge en peso un lavabo , rompe una ventana y huye para siempre de ese lugar , símbolo de la más absoluta represión.

Todos deberíamos ver esta película y aprender de ella. Enseña, entre otras cosas,  que las personas “malas” tienen su parte buena y las buenas no siempre lo son tanto. Y sobretodo que, a veces, el loco es el que actúa con más cordura.

 

Fuente:

http://www.filmaffinity.com/es/film371621.html

Para más información consultar:

http://www.imdb.es/title/tt0073486/

http://www.oscars.org/

Por Leticia Guedella Vázquez.

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Fotografía: http://www.filmaffinity.com/es/film363992.html
 

Ficha técnica

Título original: Psycho

Año: 1960

Duración: 109 minutos

País: Estados Unidos

Director: Alfred Hitchcock

Guión: Joseph Stefano (Novela: Robert Bloch)

Música: Bernard Herrmann

Fotografía: John L. Russell (B&W)

Reparto: Anthony Perkins, Janet Leigh,  John Gavin, Vera Miles, John McIntire, Martin Balsam, Simon Oakland, Patricia Hitchcock.

Género: terror

Sinopsis:

Marion Crane es una joven y atractiva secretaria que un día decide robar cuarenta mil dólares de la oficina donde trabaja para poder casarse con su novio.  Una vez se ha hecho con el dinero huye de la ciudad. Después de conducir durante horas decide descansar en un pequeño  motel apartado. El gerente , Norman Bates, es un joven tímido y amable que vive con su madre en una casita al lado del motel. Para Marion, parece que las cosas van bien, nadie sabe donde está y tiene el dinero . ¿Qué podría salir mal?

Crítica

El terror nunca ha sido mi género favorito. La mayoría de películas de este tipo no me dan miedo y,  lo que es peor, me aburren soberanamente. Harta de ver filmes que se nutren de sangre, vísceras  y algún que otro susto inesperado me decidí a ver un clásico del género : Psicosis. Si no lo consigue el maestro Hitchcock – pensé- no lo consigue nadie. Y vaya si lo consiguió.

Es la película de terror menos desagradable(en el sentido escatológico) que he visto, no juega con el “susto fácil” en ningún momento y el “malo” no tiene ninguna deformidad fisica que pueda dar asco..pero he de admitir que, por primera vez en veinte años, me dio miedo ir al baño en medio de la noche.

(A partir de aquí pueden aparecer detalles de la película, se recomienda no seguir leyendo si no se ha visto)

Utilizando el McGuffin (término acuñado por el mismísimo Hitchcock) del robo, la película te engancha desde el primer momento. Casi desde su inicio te mantiene en vilo , gracias en parte a la inolvidable música de Hermann que, desde la primera escena en la que se escucha ,tiene el efecto de poner el vello de punta aunque no esté pasando nada grave.  Es fácil entender porque llaman a Hitchock el maestro del suspense, solo él puede permitirse dar tal giro argumental antes de llegar a la primera parte de la película. Desde luego, si no te lo han dicho antes es difícil predecir que a Marion la van a matar tan pronto, pero la muerte de la protagonista (famosa escena de la ducha) no solo mantiene la tensión sino que la eleva ya que ahora todos sabemos algo que el resto de protagonistas desconoce lo que produce cierta ansiedad sobre todo cuando estos se ponen en peligro sin saberlo.

Por otra parte, Hitchock juega con nosotros durante toda la película con el asunto de la madre de Bates. Te pasas media película dudando de su existencia y cuando ya crees que no existe , Hitchcock te regala esa escena en la que Norman toma en brazos a su madre y la baja al sótano. Y otra vez dudas, hasta que la hermana de Marion nos desvela la verdad en una escena realmente aterradora.

En cuanto a las actuaciones, todas son muy correctas, sobresaliendo la del gran Anthony Perkins, que nos fascina con escenas inolvidables entre las que tengo que destacar el monólogo final de Norman “poseído” por su madre. Sencillamente aterradora.

Psicosis es de esas películas que dejan huella. Hay escenas que jamás podré olvidar, que han sido grabadas a fuego en mi retina. La escena de la ducha (en la que se puede ver la sombra de la madre de Bates a través de la cortina empuñando un cuchillo y más tarde  el ojo de Marion ya muerta mientras la ducha sigue abierta) la muerte del detective o la forma en la que la hermana de Marion descubre el cadáver de la señora Bates en avanzado estado de descomposición son algunas de ellas.

Para los amantes del cine de terror la considero indispensable . Para los cinéfilos en general la recomiendo , pues es todo un clásico que merece la pena ver. Y a los miedicas les aconsejo que se armen de valor, consigan una buena compañía  y palomitas y disfruten de la película. Eso sí, procurad dormir esa noche acompañados.

 

Fuente:

http://www.filmaffinity.com/es/film363992.html

Para más información consultar:

http://www.imdb.es/find?q=psicosis&s=all

http://www.oscars.org/

 

Por Leticia Guedella Vázquez.

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El Padrino es sin duda uno de los 10 clásicos más importantes de la historia del cine. En la Nueva York de los años 40 podemos ver a Don Vito Corleone, jefe de una de las cinco familias de la mafia de NY. La gran trama empieza cuando comienza una sangrienta guerra entre las familias mafiosas.

             Cartel de El Padrino 

Ejercicio narrativo de insuperable nivel. La brillantez de sus personajes, el ritmo magistral de la acción y la ambientación perfecta consiguen que este largometraje sea uno de los mejores de todos los tiempos.

Como decía un periodista de El Mundo ” El padrino son palabras mayores. Las dos primeras partes están entre las 10 mejores películas de la historia del cine, una clara obra maestra.” Extraordinaria película sobre el mundo de la mafia, basada en el libro de Mario Puzo.

El efecto que causa en mi “El padrino” es increíble, es la potente sensación de estar degustando auténtico cine desde el primer hasta el último instante… muchos hablan sobre que la secuencia de la boda es larga y algo aburrida, y a mi me parece una presentación de personajes descomunal: Desde Don Vito hasta Johnny son definidos y caracterizados de un modo espectacular, nada chirría, todo tiene su significado, ni un sólo actor desentona, ni un sólo encuadre es desacertado… en definitiva, asistimos a un arranque que te deja suspendido en su historia, en su ambientación y en todos aquellos conflictos presentados de forma absolutamente impecable.

La elegancia y la sinuosidad con que se mueve todo, hacen que cuando llega el auténtico clímax uno esté expectante, palpitante ante esa calma tensa, fría, abrupta, turbia y gradual que se da cita en esos momentos donde todo llega a extremos inhóspitos, donde la venganza permanece como un instinto secundario con tal de proteger y cobijar todo aquello que es propio, que nos acompaña y nos arropa. Y es que, tras un arranque esplendoroso, su desarrollo aun se retuerce más y te envuelve en un relato en el cual los acontecimientos empujan imprevisiblemente a sus protagonistas y les desbordan, les oprimen, les ponen en la punta del iceberg, en una cuerda tensa y fina que, en cualquier momento, podría romperse, temblorosa, y dejarles inmersos en la más absoluta angustia.

Coppola ofrece una lección de ritmo sin tregua en su pulso narrativo. La dinastía Corleone es el punto sobe el cual se asienta esta trama criminal y sus conflictivas derivaciones tanto internas como externas.

¿Cuántas veces la hemos visto en la televisión? Aún así nunca pierde la esencia que nos trasmitía al principio.

FUENTES:

http://www.notasdecine.es/1326/criticas/critica-el-padrino/

http://muchotodocine.blogspot.com/2008/08/crtica-el-padrino.html

http://es.wikipedia.org/wiki/El_Padrino_III

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article972.html

Por Silvia Martín Pascual

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